CECILIA MARCOVICH

 

CECILIA MARCOVICH
Pintora y Escultora

Cecilia Marcovich nació en Harlau (Rumania) el 18 de septiembre de 1894 y murió en Buenos Aires el 11 de junio de 1976.
Junto con su familia, emigra siendo una niña gracias al patrocinio del famoso barón Maurice von Hirsch, fundador de la Asociación de Colonización Judía (1891) y se instala en una colonia agrícola a fines de 1901.
Pocos años después, los Marcovich se trasladan a Rosario, ciudad en la que Cecilia tiene la posibilidad de ingresar en la “Escuela de Artes y Oficios”.
Primero toma clases de piano y recibe su diploma de profesora; luego obtiene una beca para estudiar dibujo y asiste a los cursos nocturnos del pintor rosarino *César Augusto Caggiano (1894-1954), formado en Florencia, Italia con el pintor Giovanni Costetti.                                   

*Fuente de información de esta publicación, es un trabajo de Investigación realizado por Talía Bermejo

Óleo de C. Marcovich, año 1900, Rosario. Foto Marcelo Giudici 

En 1909 fallece su madre, y poco después su padre se traslada a Buenos Aires; Cecilia adolescente y su hermano Marcos se convierten en el sostén económico de los hermanos menores.
Cecilia con las clases de piano será el único sostén económico; en 1918, se casó con Moisés Tubert, un exitoso bodeguero mendocino.
Junto su esposo, se instala en la provincia cuyana, tiene dos hijos y se mueve en el entorno de la colectividad judía local.
Por entonces la mayoría de quienes deseaban tener una buena formación artística, viaja a Europa, donde concurrirán la mayoría de los jóvenes latinoamericanos, y concurrir a los talleres de los grandes maestros, visitar museos galerías de arte y conocer a los famosos artistas vanguardistas.

Óleo de C. Marcovich, año 1925. Paris Foto Marcelo Giudici                                              Viaje de formación a Europa.            

A finales de 1920 se divorcia y se traslada a Buenos Aires. En 1925, se embarca rumbo a Paris, con sus dos niños pequeños (nacidos en 1920 y 1922, respectivamente), un par de maletas y la modesta pensión que a partir de esa fecha envía Moisés desde Mendoza.

Mientras los hijos se educan y crecen como pupilos en una escuela situada en las afueras de París, Cecilia vive en Montparnase (16 bis rue Bardinet, en el VII Arrondissement) y dedica la mayor parte de su tiempo a tomar cursos, producir, visitar museos y ateliers.
Inicia sus estudios de Escultura con el maestro Antoine Bourdelle al fallecer este en 1929 artista continua escultura con Charles Despiau.
En 1931 concurre a los talleres de pintura con André Lhote y Paul Albert Baudoüin con quien aprende pintura al fresco.
Asiste a la “Académie de la Grande Chaumière”, a la que Cecilia asiste a diario durante varios años, era una de las academias libres que por entonces existían en París, abiertas a estudiantes de todas partes, eran accesibles para los becarios argentinos) y sin un programa estricto. 

Óleo de C. Marcovich, año 1923. Paris 

El retorno a la Argentina.     "La IAPE"                       Todos estos conocimientos y experiencias le fueron útiles para su formación y base para llevar adelante su propia escuela-taller.

En 1931 la artista regresa a Buenos Aires y comienza una carrera articulada entre la docencia, la producción y la militancia.
Un periodo oscuro para el país por el golpe cívico-militar encabezado por José Félix Uriburu, y la caída del gobierno de Hipólito Yrigoyen; período conocido como la “Década infame”, junto a la crisis económica mundial del ´30.
Ya en Argentina Marcovich se encuentra con varios artistas que se habían formado igual que ella en Europa, con el propósito de comenzar a movilizarse a través de organizaciones con el objetivo de promover un sistema democrático y contra el avance de los fascismos.

Esculturas de C. Marcovich, bronce y yeso

Lino Spilimbergo es un referente entre los artistas contemporáneos ligados al Partido Comunista Argentino en un emprendimiento político-cultural destacado por entonces la AIAPE, la “Asociación de Intelectuales, Artistas, Periodistas y Escritores” (activa entre 1935 y 1943).
Junto a Marcovich participaron y colaboraron en la sección de artes plásticas de las actividades de esta agrupación, integrando durante varias la Comisión Directiva de la asociación.
En simultáneo, junto con el escultor Luis Falcini, organizó el salón de 1935, entre los que participaron Antonio Berni, Demetrio Urruchúa, Manuel Colmeiro, Víctor Rebuffo y Juan Carlos Castagnino, entre otros, muchos de ellos vinculados al PC o miembros de la AIAPE.
La actividad se difundía a través de distintas publicaciones: revista Unidad, luego Nueva Gaceta, u Orientación. 
A comienzos de 1940 Cecilia Marcovich tomó a su cargo la dirección del taller de arte. La escuela-taller funcionó en la sede de la entidad, ubicada en el Pasaje Barolo sobre Avenida de Mayo, y las disciplinas principales consistían en modelado y dibujo con modelo vivo, pintura, grabado (a cargo de Abraham Vigo) y pintura mural al fresco.

Autorretrato. C. Marcovich, óleo.  

Creación de su Escuela-Taller
A comienzos de la década de 1940, en el barrio de Constitución, Marcovich acondiciona en los fondos de una casona del siglo XIX, un viejo galpón, donde crea 
su propia escuela la “Asociación Plástica Argentina” (APA). Una escuela-taller que sostuvo sus actividades durante casi treinta años.
Tenía cierta semejanza al modelo de la AIAPE, en particular el espíritu social volcado hacia la comunidad.
Funcionó como una especie de cooperativa en la que todos los gastos, desde la renta, la luz, la leña para calefaccionar e incluso los modelos, se prorrateaban entre los alumnos.
El método de enseñanza era riguroso (primero dibujo, luego composición, pintura, escultura y pintura al fresco) y las clases se desarrollaban en dos turnos, tarde y noche. 

C. Marcovich, fotografía en su juventud .

Con lineamientos semejantes a los vividos en París la “Académie de la Grande Chaumière”, la (ahora) el maestro se presenta una vez por semana, dispone la ubicación de los modelos, da las indicaciones pertinentes, observa el avance de los trabajos, hace las correcciones e imparte su lección.
Luego, los discípulos más avanzados continúan la tarea hasta la siguiente clase magistral.
Al finalizar el año, el taller completo se dispone para mostrar los resultados a través de una exhibición colectiva.
Durante las décadas de 1940 y 1950, la actividad de Marcovich transcurre entre viajes de estudio y la enseñanza en la escuela-taller.       

Carbonilla, C. Marcovich, representación figura humana

Viajes a países latinoamericanos
- El primer destino fue Río de Janeiro (Brasil). Allí trabajó a lo largo de un año (1939-1940), período clave de su trayectoria que la llevó a reencauzar gran parte de los proyectos artísticos y educativos elaborados de allí en más.
De este período resultan las primeras obras que más tarde serían identificadas como “las morenas”, un conjunto de mujeres afrodescendientes a las que se sumaron niñas y niños, maternidades y escenas callejeras de la ciudad carioca.
Una parte significativa de esta producción de dibujos y pinturas fueron exhibidas en 1946 en el “Salón Peuser” de la ciudad de Buenos Aires.

Óleo sobre tabla, C. Marcovich, c. 1940, Brasil. Foto: Marcelo Giudici.

La mujer ocupa el centro de la escena a través de retratos, maternidades y escenas callejeras
Los dibujos a lápiz mantienen los tonos claros que se observan en las otras series, mientras que en los óleos se impone una materia espesa y la paleta se oscurece.
La factura resulta igual-mente sintética, con grandes planos de color y el trazo negro característico en la pintura de Marcovich.

Las Morenas
Cuando Cecilia Marcovich regresó de Europa en 1931, trajo consigo una enorme piedra de granito negro, adquirido en Bélgica.
Hasta ese momento sus trabajos escultóricos eran pequeños, en su mayoría figuras femeninas en yeso y bronce. 

"Morena", Marcovich C, Escultura, piedra.

Con este bloque talla una cabeza femenina, abriendo la serie de figuras monumentales, dedicaría casi exclusivamente a la mujer afroamericana, con el título: “Las Morenas”.

La crítica destacó la presencia de esta obra en el Salón Nacional de 1940, exhibida junto a la premiada “Cabeza de niña”. Talía Bermejo

Se destacó entre las obras “Cabeza” que luego se abocaría casi exclusivamente al protagonismo de la mujer en producción, en particular, la mujer afrodescendiente y la mestiza (1964).

Retrato de hombre, pastel sobre papel, Humahuaca, Jujuy, c. 1950. Foto: Marcelo Giudici.

Viajes al Norte argentino
- Hacia fines de los años cuarenta y durante la década de 1950, inicia una serie de viajes por el norte argentino, en particular las provincias de Salta y Jujuy.
Eran los itinerarios propios de la época, que alentaron a otros artistas de su generación, como Ramón Gómez Cornet, Spilimbergo, Raquel Forner, Antonio Berni, Grete Stern, a través del registro fotográfico, con la intención de abordar las distintas realidades del país.

En su mayoría las obras son dibujos a lápiz y pastel, la temática escenas de trabajo, de la vida cotidiana y a los habitantes de la zona.
Descarta la búsqueda de lo pintoresco o de elementos exóticos, se direcciona hacia la realidad que contiene de ayer y de hoy.

Personas del Norte argentino. Marcovich C, Pastel s/cartulina.

Lo alcanza a través de una compenetración con el ambiente, estudiando los tipos raciales, la riqueza de la indumentaria, el paisaje, las tareas primitivas y algunas escenas callejeras en las que se verifica la mezcla del pasado y del presente.
El objeto era tomar distancia respecto de una pintura folklórica o pintoresquista abocada a las escenas de tipos y costumbres, anclada en el pasado y ajena a la realidad contemporánea

Boceto de mujeres con niños. Marcovich C, Carbonilla s/cartulina.

“Apuntes al pastel de la Quebrada de Humahuaca”, se subdividía en “Estudios de diferentes tipos raciales”, “Tareas primitivas” y “Escenas callejeras”.

Se interesa particularmente en el retrato de mujeres y hombres de la zona.

Trabaja con modelos y centra la atención en los rasgos faciales y la vestimenta; aunque también se abocó a escenas de conjunto y a la representación de oficios tradicionales. 

Carbonilla, C. Marcovich,  proceso metalurgico.

Dibujos y Pinturas de los Altos Hornos Zapla.
Fue un complejo minero-forestal siderúrgico, constituido por dos minas de hierro, que se encuentra en el departamento Palpalá, provincia de Jujuy, Argentina. Constituyó el primer centro siderúrgico de Argentina, donde se hiso la primera colada de arrabio en 1945. Contaba con bosque de eucaliptos para extraer el carbón para los hornos.
En estas obras la máquina domina la escena en un número importante de piezas.
La mirada apunta, en primer lugar, a las herramientas, los materiales de trabajo y a las construcciones del establecimiento siderúrgico. 

Pastel h Carbonilla, C. Marcovich,  operario metalurgico.

Las figuras de los trabajadores al pie de los altos hornos de Palpalá, están resueltas de manera sintética no se detiene en los rostros, quedan subsumidos en el anonimato, solo se ven protagonistas en cuanto a masa trabajadora. 
Cobra interés el proceso de producción del acero a través de sus diferentes etapas: la tala de árboles, la extracción del mineral o la colada, entre las más significativas.
Mientras tanto, los hombres quedan subsumidos en el anonimato o, desde otra perspectiva, se vuelven protagonistas en cuanto a masa trabajadora.
No obstante, la artista realiza numerosos estudios sobre algunas figuras con el objeto de detallar la indumentaria y las herramientas.
Trajes que pesan sobre las espaldas de los hombres, guantes enormes, botas, gorros que apenas dejan el rostro descubierto se resuelven a través de planos lisos de color y límites definidos.
A partir de ese viaje en particular motivaron el surgimiento de los proyectos murales.

 de su Casa Museo. Foto: Humberto Rivas.

Su vivienda convertida en Casa-museo
A comienzos de los años sesenta prácticamente se retira de los circuitos artísticos para abocarse al diseño de su propio espacio de trabajo y exhibición; pero continuó con las tallas en piedra, los dibujos y los grabados, simultáneamente continuaba su actividad en la “Escuela de calle San José”, cerca de Constitución.
En una antigua “casa chorizo”, de la calle Guardia Vieja al 4100, la transforma en Casa-museo, algunos espacios los destino para mostrar sus obras producidas en ese mismo momento, otro sitio al taller, daba algunas clases particulares

“Luchar por un lugar para el caballete es una forma de educar también”

Autorretrato. Marcovich, C,  Pastel.

El propósito era una “Retrospectiva”, mostrar la obra realizada a lo largo de treinta años. Dibujos, óleos, pasteles, monocopias y esculturas fueron montados en distintas habitaciones hasta ocupar la mayor parte del edificio.

Desde los bronces realizados en París, yesos y bajorrelieves hasta las grandes piedras talladas desde los años cuarenta en adelante.

En octubre de 1961, Cecilia Marcovich abrió al público las puertas de su casa.

La apertura e inauguración de la muestra, coincidió con el 25° Aniversario de la “Asociación Plástica Argentina”, acompañada por una revista editada por sus alumnos en homenaje a su maestra.

Desnudo. Marcovich, C. Talla en piedra. 

Complementaba un pequeño catálogo en forma de díptico: Dibujos, Pinturas y Esculturas de Cecilia Marcovich, Del 19 de octubre hasta el 2 de noviembre de 1961; de Lunes a sábados de 18 a 21 Hs.

Toda una generación de estudiantes reconocía un espacio valioso para la formación artística y el crecimiento personal, y en especial para quienes entonces participaban activamente en la comisión de enseñanza, como Alberto Giudici y Victoria Shraer.

La Casa-museo Marcovich constituyó como parte de un mismo proyecto destinado a construir un espacio de acción personal, artístico y social cuyo impacto principal se produjo por fuera de los canales oficiales y especialmente en el marco de la enseñanza.

Retrato. Marcovich, C. Pastel 

Premiaciones

Tercer Premio Nacional de Escultura del XXV Salón Nacional de Bellas Artes - 1936, Medalla de Plata de Escultura en el XV Salón de Otoño de Rosario - 1940, Segundo Premio Nacional de Escultura del XXX Salón Nacional de Bellas Artes - 1950, Primer Premio del Salón de Primavera de la Sociedad Hebraica Argentina - 1962. Premio J. Club, Salón Nacional, Escultura, cabeza monumental en piedra: “Niña de color”.

 

   

Esencia de su trayecto

Definidos momentos conformaron la obra de Cecilia, la familiar, su formación en París, La producción de su obra, Impartir conocimientos con su Escuela-taller y trasformar su casa en Museo.

Cada paso implicó desplazamientos radicales en más de un sentido, disrupciones en cuanto a las expectativas sociales ligadas al género, como así también respecto de circuitos e instituciones artísticas.

Para Cecilia Marcovich, la producción artística y la docencia formaban parte de una misma práctica liberadora.

El ejercicio del Arte enlazaba con las posibilidades de crecimiento personal; también con el ejercicio de la libertad creativa y la libertad de hacer y aprender.

“Sólo quiero realizar aunque sea diez centímetros de escultura digna de sobrevivir”

Arnoldo Gualino. Publicación

*Fuente de información de esta publicación, es un trabajo realizado por Talía Bermejo y forma parte de una investigación mayor, base de un proyecto curatorial y editorial sobre la obra de la artista Cecilia Marcovich. Dicho trabajo fue presentado en artículos; Congresos, Simposios y Jornadas en el C.C. K, Universidad de tres de Febrero, Universidad de M. del Plata.

Colaboración de Susana Tubert (nieta de Cecilia Marcovich), Alberto Giudici (crítico y artista, exalumno); Victoria Shraer (artista y educadora, exalumna).

Las fotografías de época, retratos de artista de la casa-museo, se deben a Horacio Coppola, Humberto Rivas y Rubén Fontana.

Fotografía de obras de: Rubén Fontana, Alejandro Saderman y Alberto Giudici.

SIQUEIROS, MURALES y BLANCA LUZ BRUM

SIQUEIROS – MURALES – BLANCA LUZ BRUM

Desnudo de la modelo Blanca Luz Brum

BLANCA LUZ BRUM (1905 -1985); Escritora y poeta uruguaya y Modelo del pintor muralista mejicano; David Alfaro Siqueiros (1896-1974)

Blanca, en su época adolescente escapada de un colegio religioso, huye en moto con el enfermizo poeta peruano Parra del Riego, tuvieron un niño, poco tiempo después el poeta murió.










Siqueiros, Blanca y Eduardo, hijo de la poetisa.

La vida de una mujer que parece una leyenda; atrapada por su vida y sus excesos; querida y adorada en el círculo cultural porteño de los años ´30; creó un mito, como la bella y seductora rubia.

Blanca Luz siguió su vida enamorando a poetas, políticos, pintores, revolucionarios y ricos.

Una vida llena de emociones, cárceles, confinamientos, asesinatos políticos, aventuras revolucionarias y amigos que se llamaban Frida Kahlo, Diego Rivera, Tina Modotti, Eisenstein, Álvarez Bravo, Sandino o Pablo Neruda, con él conoce alguna noche de amor.

Estuvo afiliada al partido comunista. 
En 1929 se casa con el muralista David Alfaro  Siqueiros (1896-1974); es la modelo que inspiró el famoso mural: “Ejercicio Plástico”.

Interior del mural, pintado en las paredes y el piso de un sótano.

Ejercicio Plástico: Mural de 200 metros cuadrados, incluye también el piso, obra realizada en 1933, en el sótano de la quinta “Los Granados”, ubicada en Don Torcuato, Provincia de Buenos Aires.

Mario Botana, dueño del diario "Crítica".

La quinta perteneciente al uruguayo Natalio Botana, dueño y fundador en 1915 del diario “Crítica”, editado en la ciudad de Buenos Aires el primer diario moderno y progresista del país, que también propagaba las manifestaciones culturales.

Para pintar este mural por sus dimensiones colaboraron los artistas plásticos argentinos: Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Lino Spilimbergo y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro; demandó tres meses de intenso labor.

El pintor muralista mejicano, David Alfaro Siqueiros

Siqueiros traía nuevos modos de pintar supliendo el pincel por el aerógrafo, el boceto por la fotografía y el cine, reemplazaba el óleo por las pinturas sintéticas.

Mientras su marido la pintaba desnuda para el mural del rico periodista; éste se enreda en amoríos con la modelo.

Detalle del mural, para el cual posó Blanca Luz Brum

Este grupo de artistas tenía como intención crear la ilusión de movimiento en las figuras representadas y así generar en el espectador una sensación muy especial: la idea que el visitante se sintiera como dentro de una caja de cristal sumergida en el mar.

La obra resulta paradójica en varios sentidos: es la única pintura mural realizada por Siqueiros que carece totalmente de contenido político-social. Los artistas en el manifiesto escrito se encargaron de aclarar que se trataba de una “gimnasia plástica”, de un ejercicio pictórico de búsqueda y experimentación.

Ejercicio Plástico es considerado a nivel internacional como una obra cumbre del arte latinoamericano.

El gobierno militar del general Uriburu deporta a Siqueiros por comunista, debe salir solo del país.

Restauración del mural

Mural olvidado: El famoso mural estuvo casi 60 años en total oscuridad y abandono, en una etapa lo quisieron destruir con ácido y luego fue blanqueado con cal.

El último propietario de la mansión, Héctor Mendizábal, en 1990 decidió rescatar el mural y le encargó al restaurador mexicano Manuel Serrano una obra de ingeniería que reunió los más sofisticados adelantos de la técnica.

Su superficie fue adelgazándose desde el exterior hasta ser reducida a 10 milímetros de espesor y blindada con una resina sintética de alta resistencia.

Tras años de haber estado sus trozos embalados y largas gestiones; debido a un litigio legal entre empresas que se disputaban su propiedad, la obra permaneció 16 años guardada en contenedores, en una playa de grúas ubicada en la localidad de San Justo, Provincia de Buenos Aires.

En el año 2003 la obra fue declarada Bien de Interés Histórico Artístico Nacional, mediante el decreto 1045/2003.

En el año 2010;  la obra fue finalmente rearmada  e inaugurada al público bajo un tinglado en la “Aduana Taylor”: - la antigua aduana porteña del siglo XIX que está bajo la Plaza Colón- detrás de la Casa Rosada (Palacio Presidencial, en Buenos Aires).

¨*Poema, escrito por Blanca Luz Brum en la Isla de Robinson Crusoe el 6 de enero de 1974, día del fallecimiento del pintor David Alfaro Siqueiros

Rey David (Canción de Pena)

Cubiertas con las húmedas auroras

yacen las cosas muertas y enterradas

Las de una antigua y dulce primavera

que nunca más serán recuperadas

Asido de un fulgor o de un relámpago

te alejas hoy en dirección al cielo

y eres un largo rayo penetrando

en la noche compacta de la muerte

Quedan aquí tus armas desarmadas

junto a las torres de tus fundamentos,

derribadas ahora en las arenas

hundiéndose entre el mar y entre los vientos

Un instante no más trató tu espada

de desgarrar la gran tiniebla fría

¡Gloria a la aurora y al celeste día!

a la insondable pompa de pájaros profundos

como el gran Quetzalcoatl te escoltaron llorando

los colores del mundo

¡David! Nombre de Rey

afanes y peligros ya pasaron

no saldrán más las tropas a buscarte

La gran pregunta

encuentra su respuesta

Una estrella te da la bienvenida

es brillante y azul como una hoja desprendida

del árbol de Dios de eterna vida

Olvidarás al fin la estrella roja

desde donde salía la substancia

de tu obra genial y de tu vida

Las arcillas rojas de México,

el maguey y el nopal,

lo abstracto, lo sensual

de tus gloriosos muros

Catedrales de fuego

de tu espíritu recio

Tu chocolate en jícaras,

tu pulque, tu tequila,

aguacate y ají,

las calientes tortillas de maíz

comiéndolas con la Virgen de Guadalupe

y Diego Rivera

Monterrey y Chihuahua donde naciste

cerca de las fronteras con Estados Unidos,

de “esos gringos imperialistas”, que combatías y admirabas

Tantos muros pintaste; tantas flores,

el universo con sus muchedumbres,

la humanidad desangrándose,

las ciudades de acero de la cibernética

Héroes con rostros iracundos, puños cerrados,

el mundo entre las bárbaras tinieblas

de la lucha de clases

Atravesando el tiempo y la memoria

vi los seres que amé y que me amaron,

a las mujeres que por ti pasaron

pedestales de famas y de gloria

naves perdidas en inmensos mares

en busca de caminos y naciones

Entre los cataclismos y pasiones

mi pecho te buscó para salvarte

Mi pecho te buscó para adorarte

Entre revoluciones caminabas

Vi tu sangre correr como los vinos,

terriblemente roja, por la tierra

Y vi tus ojos verdes prisioneros

y cautivas tus manos adoradas,

y detrás de las rejas vi tu rostro

que yo andaba buscando desolada

Y te amaba Te amaba y te buscaba

en el tormento de tus cautiverios

Por el amor que pusiste en mi alma

la pasión que pintaste en mi cuerpo

yo te canto y te lloro, y te lloro y te canto

con el más antiguo de los llantos

en el más antiguo de los coros

en las tragedias de la mitología

¡Oh, viejo Rey David!

ya regresa Caronte con su barca vacía

mientras muere el sol en el mar

de esta isla

   Imágenes: Detalle del mural y foto de Siqueiros y Blanca Luz Brum

   Artículo: Prof./Lic. Arnoldo Gualino

ANTONIO BERNI: Pintor - Grabador - Escultor

 Manifestación. 1934. Temple sobre tela.
ANTONIO BERNI

Pintor - Grabador - Escultor.

  

Delisio Antonio Berni: nació en Rosario el 14 de Mayo de 1905, sin duda el de mayor renombre internacional junto a Lucio Fontana, terminaría siendo considerado por la crítica como uno de los padres del arte moderno en la Argentina, con una ductilidad que signaría su constante proceso evolutivo.

Trabajó de aprendiz en el taller de vitrales de Salvador Buxadera y dibujo y pintura en el Centre Catalá.

Becado a Europa, realiza estudios con André Lhote y Otón Friesz, de regreso en 1933 hace conocer en nuestro medio las nuevas tendencias: Cubismo, Surrealismo y el Dadaísmo, dicta clases en el Museo Municipal, además es nombrado director y profesor de la “Mutualidad de Artistas Plásticos de Rosario”.

Durante esta época, Berni realiza una investigación periodística sobre la mafia y prostitución en el barrio de Pichincha de Rosario documentando con fotografías, material que luego aprovechará para su obra.

En 1931 consigue un puesto en la oficina de Estadística y Archivo en la Municipalidad de Rosario en los altos del Mercado Municipal de calle Barón de Maúa y San Luís.

Vivía con su mujer Paule y su hijita Lilly, en un departamento de pasillo en 25 de Diciembre 1457 (hoy Juan Manuel de Rosas).

Fotografía de Antonio Berni
Las obras realizadas en este período conocida como: ‘La década Infame’ representa el derrocamiento del presidente Hipólito Irigoyen por el general Uriburu.

Se tornan comprometidas con la denuncia de la injusticia y miseria social; en defensa de los humildes, de los marginados, pinturas realistas de alto tono crítico, identificado con las ideas políticas socialistas.

Un ejemplo en su obras  de esta época: Pan y Trabajo, Manifestación (1934); Desocupados (1934); Hombre Herido (1935), Chacareros (1935); influenciada de la monumentalidad del muralismo mejicano y de la “Nueva Objetividad” alemana.

Caracterizadas por la sobriedad, exactitud y precisión de la representación; por los detalles fisonómicos y la composición fundado en el registro fotográfico, sin interpretaciones subjetivas, ni gestos.

Paralela a esta producción realiza una de aproximación clásica casi renacentista, de tendencia metafísica, dominando la temática de retratos femeninos con una actitud entre pensativa y ausente, realizados en una estructuración geométrica

Luego entra en una variación Neorrealista, incorpora en sus trabajos el collage y el assemblage, utilizando un repertorio de objetos de deshecho, que denotan la miseria cotidiana de las villas marginales de la gran ciudad. Sobre esta base crea la historia de Juanito Laguna, (representa un niño de la exclusión y la miseria); su primera serie aparece en 1961, es expuesta en galería Peuser de Buenos Aires.

 Ramona en la intimidad: Pintura y técnicas mixtas.
Posteriormente crea otro personaje de metáfora social de la marginación, simbolizado por Ramona Montiel (la prostituta), ambos personajes simbólicos, valiéndose de materiales alusivos aptos para narrar sus vidas (Construye murales collage de gran tamaño, con materiales de desecho y pintura).

Toda su iconografía está ligada a un repertorio crítico, escenas fácilmente asociadas con realidades concretas y condenables, ligadas a situación nacional e incluso a la realidad latinoamericana.

En 1933, surge un proyecto para pintar un gran mural, en los sótanos de la casa de de Natalio Botana propietario del diario Crítica, en Torcuato de Buenos Aires.

Tal emprendimiento se le otorga al muralista mejicano David Alfaro Siqueiros; por sus dimensiones 200m2, requiere de una tarea colectiva.

Colaboraron los artistas argentinos Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Lino Spilimbergo y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro, al trabajo grupal lo denominaron: Ejercicio Plástico.

La modelo utilizada para los desnudos femeninos que cubren las paredes y el piso fue la escritora y poetisa uruguaya, Blanca Luz Brum, casada poco tiempo antes con Siqueiros.

El gobierno militar argentino expulsa del país a Siqueiros. El mural demandó tres meses de continuo trabajo, se aplicaron nuevos procedimientos para la época. Esmaltes sintéticos, sopletes y rodillos, fotos que reemplazaron a los bocetos dibujados.

Obra:

Berni indagó en diferentes tendencias que parten de un depurado clasicismo inicial al barroco, transitando experiencias del Impresionismo pasando por el Surrealismo, el Expresionismo, Informalismo, Realismo Mágico, Nueva Figuración, hacia las tendencias del Pop Art en su última etapa.

La temática que utilizó Berni para casi toda su obra, es de profundo compromiso con la problemática social.

Utiliza para los símbolos de la injusticia y marginación los personajes reales.

En 1962 obtuvo el Primer Premio en la Bienal de Venecia.

Falleció en Buenos Aires el 13 de Octubre de1981.

 “La Pintura es una idea que se modifica constantemente a través de la existencia del hombre”.- A. Berni.

 “...La Línea de fuerza de toda mi trayectoria ha sido la temática, y en función de ella se han producido todos los cambios formales y cromáticos, porque el estilo para mí no es sólo una manera de hacer, sino también una manera de pensar trascendiendo”.- A. Berni

                                                                                                                  
“El arte es una repuesta a la vida. Ser artista es emprender una manera riesgosa de vivir, es adoptar una de las mayores formas de libertad, es no hacer concesiones. En cuanto a la pintura es una forma de amor de transmitir los años en arte”. A. Berni.    

    

ANTONIO BERNI EN ROSARIO

La Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos

La crisis económica Mundial de 1929, sumada a la crisis interna del país del año 1930, con la caída del gobierno de Irigoyen por el golpe militar de general Uriburu; genera en la Argentina, un período de opresión, de pérdida de las libertades, oscuro, conocido como: “La Década Infame”.

Dominado por la confrontación ideológica, provocaron en los artistas un desplazamiento de la discusión del “Proyecto estético” a la discusión del “Proyecto político”; de la discusión entre Cosmopolitismo y Nacionalismo a la discusión de las relaciones ideológicas entre Arte y Sociedad.

Por entonces un grupo de jóvenes unidos por los mismos deseos: el de pintar; alquilaban un espacio en el llamado Caserón de Comas, ubicado en Santa fe 556, algunos pocos habían recibido algún conocimiento.

"Manifestación", Obra emblemática de A. Berni

El grupo originariamente constituido por: Manuel Ferrer Dodero, Domingo Garrone, Mario Bertolano, Allende, Medardo Pantoja, Pedro Gianzone, Leonidas Gambartes y Juan Berlengieri.

El taller contaba con modelo vivo, los trabajos se realizaban sobre cartón o bastidores fabricados artesanalmente los materiales empleados: tiza, carbón, óleo y temple al huevo con pigmentos de óxido férrico.

Se gestaba una idea de independencia respecto a las Academias y Conservatorios, en contra de los viejos procedimientos de copia de láminas o modelos vaciados de yeso.

Entre los que podemos citar a: Salvador Zaino, Enrique Schwender, Pedro Blanqué, Fernando Gaspary y Rafael Barone.

La Mutualidad

Surge en la ciudad de Rosario, como el primer intento de crear una vanguardia organizada, cuyos miembros no sólo se identifican en preocupaciones estéticas, sino a una fundamentación histórica y social de las prácticas artísticas y vinculadas a la política.

Nace como escuela taller en Maipú 724; el “Museo Municipal de Bellas Artes” situado en calle Santa Fe 845 les dispensa una sala para sus actividades.

El 6 de Marzo de 1934, queda oficialmente constituida la Mutualidad, nombrando director y profesor de la misma a Antonio Berni, quien había regresado tiempo antes de Europa, por razones económicas de la crisis mundial del 1929, la beca a la que se le había otorgado se interrumpe.

Tiempo después pasan a la planta alta de la esquina de Mitre 916, la institución había llegado a contar con 300 alumnos.

Las premisas de la Institución: Se estaba en contra y se rechazaba la individualidad, todo se compartía

Por entonces surgieron novedades vanguardistas, como las prácticas del “Collage”, elemento tomado del Cubismo; dejado de lado sus preceptos por ser un movimiento formalista.

El “Fotomontaje”, procedimiento utilizado en el Dadá, el cual Berni lo destacaba en las clases de Historia desde cuestiones ideológicas y políticas, como medio de expresión de las ideas revolucionarias.

Aguafuerte de Juan Berlengieri

La Mutualidad permitía al grupo de jóvenes, expresar su disconformismo  y rebeldías con otro modo de expresión artística, enlazaba la vanguardia artística con la política revolucionaria, era una doble militancia de sus miembros, en el espacio del arte y en el seno de la izquierda política.

Redactan un reglamento breve, con un principio: de “Taller Libre de Artes Plásticas”.

A. Berni: "Chacareros"

Se incorporaron: Cayetano Aquilino, Juan Berlengieri, Mario Bertolano, Carlos Biscione, Andrés Calabrese, Aldo Cartegni, Paule Cazenave, Héctor Di Bitetti, Leonidas Gambartes, Francisco García, Domingo Garrone, Juan Grela, Pedro Gianzone, Celia Maldonado, Carlos Mántica, Raúl Palacios, Medardo Pantoja, Gullermo Paino, Godofredo Paino, Anselmo Pícoli, Arturo Roger Plá, Ricardo Sívori, Juan Tortá

No quisieron participar aunque algunas veces asistían, Santiago Minturn Zerva y Gustavo Cochet, por tener ideas anarquistas.

Sobre una convocatoria, el grupo comenzó a ser numeroso e importante.

Arturo Roger Plá.

Impartían clases

Arturo Roger Plá: dictaba Literatura; Antonio Berni: Historia del Arte y enseñanza artística; Godofredo Paino: Escultura lo reemplaza Raúl Palacio; Guillermo Paino: Grabado en linóleo; Juan Berlengieri: Grabado en metal; Pedro Gianzone: Anatomía artística y fotografía; Francisco García Perspectiva y Ciencias Políticas; el Dr. Torrente: Política; Alfredo Guido que había estudiado Abogacía: dictaba Historia Argentina; Artesano: Historia Argentina; Ricardo Sívori: sobre el Materialismo dialéctico; Alfredo Guido. Pintor y Grabador.

Pintor y grabador, Alfredo Guido

el poeta Arturo Frutero: Filosofía; el Dr. Pizarro Crespo: Psicología; en Biología, el Dr. Pons Dr., y Combe que era bioquímico; Alberto Mantica: Esperanto; el arquitecto Wladimir Mikielevich: Historia de Rosario; Sigrido Maza: Filosofía

Berni, alentaba de las Vanguardias la ideología sobre la estética.

Del Renacimiento destacaba la técnica y el movimiento humanístico.

No acordaban con el Cubismo, como movimiento por fundamentarse en la Composición y la Estética, pero se valieron del “Collage”

Joaquín Torres García y Emilio Pettoruti, eran artistas a los que se los respetaba; pero no compartían porque no consideraban en su obra la problemática social y política.

Xilografía de Leonidas Gambartes.

Se valieron del Caravaggio, en los tratamientos sobre el claroscuro escultórico de luces muy claras y sombras muy oscuras contrastando y rompiendo el fondo; para acentuar una temática de ideas de tipo social y contenido político. 

Leonidas Gambartes.

Respecto al Dadaísmo rescataban su compromiso social y político.

Consideraba a obras del 

Surrealismo que connotaban tendencia marxista.

De Picasso valoraban la época de Ingres; el uso del volumen, descartando las otras etapas, considerándolas decadentes por lo dramática y sentimental.

La resultante final de las obras: una pintura algo escultórica, de formas contundentes y agresivas, ya empleada por los muralista mejicanos: Diego Rivera, Alfaro Sequeiros y por el pintor argentino Lino Eneas Spilimbergo.

           

El Mural en la Mutualidad

Se alentaba a los alumnos la realización del mural, basado en  el realismo, de visible y fácil lectura y rápida comprensión; con una la profunda convicción revolucionaria de cambio: “La transformación social”.

Una temática consustanciada sobre las problemáticas de la realidad social: el trabajo, la explotación, el obrero, el pueblo.

Autorretrato de Juan Grela

Las obras se realizaban sobre cartones de 1 metro X 70 cm., con una base de goma-laca con alcohol de quemar, se dibujaba con carbonilla o lápiz Faber, preparaban pintura al temple, basado en la fórmula que Alfaro Siqueiros reveló en su estada en Rosario: 1 parte de yema de huevo otra de agua y mastic y pigmentos con ferrete).

Se alentaba el uso de la cámara fotográfica “Kodak”, como registro de las imágenes, borrachos, limosnas en la puerta de las iglesias, niños de la calle dormidos, todas las propuestas provenían del  “Muralismo Mejicano”, difundido por Alfaro Siqueiros en un viaje a la Argentina, pero con algunas adaptaciones realizadas por Berni: “Murales transportables”, obras de grandes dimensiones sin ser esclavas de un muro.

Artísticamente se miraba la Nueva Objetividad, del realismo alemán: Otto Dix y Metzinger, Gras; Picasso del período 1922.

David Alfaro Siqueiros. En Rosario ofreció dos encendidas conferencias: En la Biblioteca Argentina y en la Mutualidad. Año 1933. Dejando una importante marca. 

Posteriormente en Buenos Aires realizó junto a un grupo de pintores,"Ejercicio Plástico", pintura mural en el sótano del empresario Mario Botana.

Antonio Berni y algunos de sus compañeros, ayudaban al proselitismo, pintando carteles políticos había realizado un retrato de Stalin de 3 metros de altura para un comité de la calle Alvear al 1000.

La Mutualidad desplegó una inédita experiencia pedagógica, que incluyó tanto disciplinas artísticas, como la participación de intelectuales que procedían de la literatura, el psicoanálisis, la filosofía o la medicina.

Si bien todos no habían adquirido las mismas preocupaciones estéticas, en el orden ideológico tenían maduración y una posición definida y coincidente En ese momento surgió “El Nuevo Realismo”.

Juan Grela, Oscar Herrero Miranda, G. Carrera y Leonidas Gambartes.

Principios aplicados en la Mutualidad:

Cuotas de estudio accesibles como único objeto de sostener la escuela-taller; Se inicia la transformación o revolución artística, contra el academicismo desterrando el modelo de yeso y la copia de láminas.

Es impuesto el estudio del desnudo. El alumno debe adquirir una experiencia técnica y científica completa de la plástica y capacidad profesional.

Óleo de Domingo Garrone.

Desprejuicio por los procedimientos, se acepta la pintura sintética y el soplete, la enseñanza de pintura mural al fresco y sobre cemento, propone un arte social, discusiones sobre política cultural, el arte latinoamericano, organización social, función de la obra de arte, la creación, como ganarse la vida y destino de la producción, vivir de las cosas de nuestra ciudad, pintar las cosas que nos rodean, identificación con el medio, también abordajes temáticos de Literatura, Filosofía, el Psicoanálisis, todos los materiales eran válidos, basta emplearlos bien.

Al Salón Nacional de 1935, enviaron casi todos los integrantes de la Mutualidad, días después el 25-05-35, José León Pagano redacta  en el diario “La Nación”, un análisis crítico a los envíos del Salón Nacional, definiéndose en desacuerdo al arte social

Desde la Mutualidad se promovió a la creación de una escuela de Artes; logrado en la “Escuela Provincial de Artes Visuales”; que comenzó a funcionar en 1944.

Dr. Lelio Zeno, profesor de la Facultad quirúrgica de Rosario y miembro activo de la Academia de Cirugía Argentina.

Junto a su hermano el Dr. Artemio Zeno llevaron a cabo un mecenazgo a los artistas rosarinos.

En 1931, identificado con la "Perestroika", viajó a Rusia, y se reunió con sus colegas.

Aún hoy goza de reconocimiento en los círculos hospitalarios rusos.

Es de considerar los doctores en medicina, Lelio y Artemio Zeno con preocupaciones culturales que supieron cultivar la amistad con los artistas rosarinos que concurrían a la Mutualidad, ejerciendo hasta un cierto mecenazgo.

Años políticos difíciles, amenazas a miembros de la institución, se adeudan alquileres, Berni se va a vivir a Bs. As y el espacio se cierra en 1937.

Artículo: Arnoldo Gualino

Bibliografía: www.arnoldogualino.com.ar