CANDIA, DOMINGO. Pintor

DOMINGO CANDIA

Pintor

Nació en la ciudad de Rosario, Pcia. de Santa Fe, República Argentina, el 27 de Marzo de 1897.

Asiste al taller del profesor y pintor Enrique Schwender.

En 1914 en pleno comienzo de la Primera Guerra Mundial, viaja a Europa, estudió en Florencia durante ocho años, con Giovanni Costetti, en París entabló amistad con el escritor Giovanni Papini, profesor de Augusto Schiavoni, Manuel Musto, César Caggiano.

Autorretrato. Óleo.

Recibe la influencia de la escuela francesa del siglo XlX, también de los “machioli”, y del revolucionario comienzo del Futurismo.

Se interesa por la obra de Paul Cézanne, la cual lo llevó a interesarse y reflexionar acerca de la estructura compositiva y el orden. 

No dejando de lado a Jean Ingres y Georges Seurat.

En este viaje tomó amistad con el escultor Medardo Rosso y los argentinos Pablo Curatella Manes, Ramón Gómez Cornet, Manuel Musto y Xul Solar, entre otros.

En 1922, por un breve período, retorna a la Argentina. En 1924, envía al Vl Salón de Otoño, Autorretrato (Obra reproducida en la revista El Círculo); pinturas aún demuestra rastros de rigurosidad formal clásica y del naturalismo romántico derivados de la mancha, provenientes de la formación recibida en Italia por Costetti.

Retorna a Europa atrapándolo París en 1924, en su obra comienzan aparecer motivos urbanos, calles, casas, puentes fábricas, con efectos de la Perspectiva, construido con una paleta de tonos bajos, y abundante materia.

Lo social se pone de manifiesto con figuras de trabajadores empequeñecidos.

Es indudable la influencia recibida de André Lothe se pone de manifiesto en casi todos los artistas de ese momento.

La temática que emplea para su obra son motivos urbanos, preocupación por el espacio que lo define a través de oblicuas y líneas de fuga muy perspectivadas, que compensa con un atenuadas por un refinado uso del color.

Durante la década del´30, investiga el espacio, activa las obras con cortantes y fuertes oblicuas, que aparecen en netos volúmenes, desnudos, paisajes y figuras.

En este viaje encuentra obras para su formación: de los artistas: Jean Metzinger, Jacques Villon y Marcel Duchamp, y de Fernand Léger.

Comienza a ser tenido en cuenta y se incorpora  al ambiente artístico europeo.

En 1933, retorna a la Argentina por un breve período, realizando una retrospectiva en Galería Müller, totalmente ignorada. 

Volverá en 1943 junto a muchos pintores argentinos a causa de la Segunda Guerra, a instalarse en Buenos Aires.

Obtuvo el Primer Premio en el Salón Nacional en 1958.

En 1966, la Academia Nacional le otorgó la máxima distinción de nuestro país, el premio Dr. Augusto “Palanza”.

En 1970, se realiza una muestra retrospectiva de su intensa labor, llevada a cabo entre 1917 y 1969; en el Museo Castagnino, repetida en el museo de Córdoba, en Buenos Aires, París y Londres.

Obra en el Museo Castagnino: Autorretrato.

Desde 1930 hasta la década 1950, alternó su estadía entre Argentina y Francia; finalmente se radicó definitivamente en París.

Falleció en París, el 17 de Noviembre de 1976.

Obras

Considerado precursor de las corrientes modernas artísticas, verdadero rebelde, unirá la precisión temática del realismo con inquietantes aportes fantásticos, casi mágicos, haciendo una obra muy personal.

Hábil colorista, pintor de paisajes, naturalezas muertas, composiciones con figuras geometrizadas y sintetizadas de tendencia plana.

En muchas de sus obras empleó una solución de aplicar el color, que caracterizó toda su producción; la aplicación del color a modo de superficies fragmentadas como embaldosados.

Con formas armónicas y equilibradas, pero no por ello exentas de dinamismo estructural, se acercó a la abstracción sin abandonar nunca el referente de la realidad.

Artículo: Prof. Arnoldo Gualino

LUIS OUVRARD. Pintor y Escultor

LUIS OUVRARD

 Pintor y Escultor

Nació el 28 de agosto de 1889 en Argentina.

Autodidacta, asistió dos años al “Ateneo Popular”, que funcionaba en los altos del Mercado Central, (actual Plaza Montenegro); impartían conocimientos y se reunían: Pedro Blanqué, Iram Cológero, Eugenio Fornells, Manuel Musto, Nicolás Melfi, Luís Ouvrard, Francisco Miranda, Domingo Guaragna, Manuel Ferrer Dodero, Solari, Costa Bambollini, Daniel Palau, Jesús Palau, Vicente Palau y Manuel Musto.

Retrato femenino. 1929. Óleo 1.20x1.60
La modelo que posó para esta obra es Emma Argentina Boggio, al momento del retrato (tenía 21 años, falleció en 1983): amiga de la familia Ouvrad.

Se trabajaba con modelos de yeso, razón por la cual la falta de modelo vivo hizo que muchos jóvenes se retiraran, finalmente la institución cerro sus puertas.

También concurría al estudio del pintor Eugenio Fornells.

La enseñanza que se impartía por entonces en Rosario, era académica y en algunas agrupaciones se transmitieron conocimientos más próximos  a un oficio artesanal.

Retrato de Ester Vidal. Óleo 1928

Becado por el Jockey Club de Rosario para realizar un viaje a Europa que no pudo concretar. 

Sus conocimientos técnicos los volcó además en la restauración de obras de arte. Poseía conocimientos de escultura, desarrolló algunas obras.

En el año 1918, recibió su primer premio en el “Salón Witcomb”.

Fue profesor en la Escuela Provincial de Artes Visuales Manuel Belgrano de Rosario.

Miembro de la “Comisión de Cultura” de Rosario, en 1939.

En Rosario, los artistas conformaban una escasa comunidad; los grupos se agrupaban y desagrupaban en diversas organizaciones, motivados por un sentimiento de pasión hacia el arte o un ideal político.

El mayor objetivo era el de llegar a estudiar en Europa, o conformarse con algún compañero recién llegado, alcanzar alguna revista revolucionaria o un libro nuevo.

Naturaleza muerta. Óleo 1936

Participó del grupo “Nexus”, junto con Demetrio Antoniadis, Antonio Berni, Nicolás Melfi y Julio Vanzo, quienes realizaron en 1926, su primera muestra grupal en la Galería "Witcomb”. 

Fue integrante  del “Grupo de los Nueve”; integrado por Augusto Schiavoni, José "Beltramino, Félix Pascual, Eugenio Fornells y Demetrio Antoniadis.

En 1942 integró la “Agrupación de Plásticos Independientes”, junto con Nicolás Antonio de San Luís, los hermanos Paino, Anselmo Píccoli, Leónidas Gambartes, Juan Grela, Vanzo, y Domingo Garrone.

Casa de calle Buenos Aires 1363, donde vivió Ouvrard hasta finales de 1970, en la planta alta, para mudarse por razones de rupturas del cielo raso a calle Brown 2518.

En 1942 comienza a formar parte del plantel de profesores de la recién creada Escuela Provincial de Bellas Artes Manuel Belgrano de Rosario.

Recibió la Segunda Medalla, VIII Salón Rosario 1925; y el Premio Cecilia Griergson, Salón Nacional de Bellas Artes 1942.

En 1980 el Museo Castagnino, realizó una muestra retrospectiva del artista.

Sus obras integran las colecciones de museos nacionales, entre ellas las de los museos Rosa Galisteo de Rodríguez y Juan B. Castagnino, coleccionistas del país y europeas.

Falleció en Rosario, en 1988.

Obra

Ouvrard manifiesta en la etapa inicial intencionalidad por la construcción y la expresividad; semejan posturas fotográficas.

Por la modalidad de aplicar el color, denota la influencia de los “macchiaioli”, adquirida a través de los maestros italianos inmigrantes que formaron a la primera generación de artistas locales y legaron a los pintores rosarinos una modalidad tonal y el modo matérico y el modo de aplicar el color, a base de manchas; como recurso de contrastar y despegar la figura del fondo.

Las figuras son tratadas de manera plana, con suaves tratamientos de claroscuro y mínimo contraste; representadas sobre fondos lisos ó de tratamientos decorativos de influencia oriental con tonos fríos como generador de profundidad.

Ouvrard, alcanzó un estilo propio de variada temática, retratos, paisajes, naturalezas muertas pasando de un tratamiento impresionista de mucho empaste, a su etapa final de valores intimistas de una realización de alta síntesis que algunos califican como “ingenuista”. 

Antes de 1960, su pintura inicia de modo gradual un proceso de síntesis. Es un período de paisajes de carácter poético; acentúa el tamaño de los objetos seleccionando gamas cromáticas que destacan el carácter compositivo.

Ouvrard construyó una pintura de lenguaje estético y alta expresión poética.

Dispuso un modo particular y personal el encuadre y los tratamientos de las figuras casi planas de hongos, higos, batatas.

Los objetos pueden ser pretextos representacionales; quedando convertidos en unidad estético-compositiva.   

Con sobriedad, incorporó a su obra; muchas de las propuestas novedosas  de las vanguardias y movimientos europeos del siglo XX.

Obra 1976.

Así se valió de los desprejuicios del Naif,  las soluciones formales que proponía el Cubismo, procedimientos difundidos a través de la Mutualidad y generalizados en los artistas rosarinos de la década del ´30.

Del clima y atmósfera que alcanzaban producir a través del tratamiento cromático, los artistas de la pintura Metafísica y los Surrealistas.

Dos escenas fueron recurrentes en sus obras: “La naturaleza muerta” (un florero, una mesa, peras, trufas, batatas hongos desparramados, berenjenas, verduras o una simple hoja que en algunas obras alcanza la autonomía de un árbol).

Y “El Paisaje”; en un momento ambos se fusionan: Grandes extensiones del paisaje rural a modo de un fondo pero tratado de manera plana; servirán para contener una naturaleza muerta que descansa sobre un plano rebatido.

Concibió el paisaje no como elemento en sí mismo, a través de un proceso integrativo logra componer desafiando la Perspectiva, desde la paradójica y lo absurdo de tamaño y los planos rebatidos.

Alcanzando una poética calma tensa.

   Artículo: Prof.\Lic. Arnoldo Gualino

   Bibliografía: www.Arnoldogualino.com.ar

PINTURAS Y PASTELES - de Luís Ouvrard

LUIS OUVRARD

 Pintor y Escultor

Nació el 28 de agosto de 1889 en Argentina.

Autodidacta, asistió dos años al “Ateneo Popular”, que funcionaba en los altos del Mercado Central, (actual Plaza Montenegro); impartían conocimientos y se reunían: Pedro Blanqué, Iram Cológero, Eugenio Fornells, Manuel Musto, Nicolás Melfi, Luís Ouvrard, Francisco Miranda, Domingo Guaragna, Manuel Ferrer Dodero, Solari, Costa Bambollini, Daniel Palau, Jesús Palau, Vicente Palau y Manuel Musto.

* El retrato femenino de una joven, pintado 1929, la modelo era Enma Argentina Boggio, que ese momento tenía 21 años, (fallecida en 1985); amiga de la familia Ouvrard (Datos aportados por el hijo: Luis Sala`)

Retrato femenino. 1929. Óleo 1.20x1.60

Se trabajaba con modelos de yeso, razón por la cual la falta de modelo vivo hizo que muchos jóvenes se retiraran, finalmente la institución cerro sus puertas.

También concurría al estudio del pintor Eugenio Fornells.

La enseñanza que se impartía por entonces en Rosario, era académica y en algunas agrupaciones se transmitieron conocimientos más próximos  a un oficio artesanal.

Retrato de Ester Vidal. Óleo 1928

Becado por el Jockey Club de Rosario para realizar un viaje a Europa que no pudo concretar.

Sus conocimientos técnicos los volcó además en la restauración de obras de arte. Poseía conocimientos de escultura, desarrolló algunas obras.

En el año 1918, recibió su primer premio en el “Salón Witcomb”.

Fue profesor en la Escuela Provincial de Artes Visuales Manuel Belgrano de Rosario.

Miembro de la “Comisión de Cultura” de Rosario, en 1939.

En Rosario, los artistas conformaban una escasa comunidad; los grupos se agrupaban y desagrupaban en diversas organizaciones, motivados por un sentimiento de pasión hacia el arte o un ideal político.

El mayor objetivo era el de llegar a estudiar en Europa, o conformarse con algún compañero recién llegado, alcanzar alguna revista revolucionaria o un libro nuevo.

Naturaleza muerta. Óleo 1936

Participó del grupo “Nexus”, junto con Demetrio Antoniadis, Antonio Berni, Nicolás Melfi y Julio Vanzo, quienes realizaron en 1926, su primera muestra grupal en la Galería "Witcomb”.

Fue integrante  del “Grupo de los Nueve”; integrado por Augusto Schiavoni, José "Beltramino, Félix Pascual, Eugenio Fornells y Demetrio Antoniadis.

En 1942 integró la “Agrupación de Plásticos Independientes”, junto con Nicolás Antonio de San Luís, los hermanos Paino, Anselmo Píccoli, Leónidas Gambartes, Juan Grela, Vanzo, y Domingo Garrone.

Casa de calle Buenos Aires 1363, donde vivió Ouvrard hasta finales de 1970, en la planta alta, para mudarse por razones de rupturas del cielo raso a calle Brown 2518.

En 1942 comienza a formar parte del plantel de profesores de la recién creada Escuela Provincial de Bellas Artes Manuel Belgrano de Rosario.

Recibió la Segunda Medalla, VIII Salón Rosario 1925; y el Premio Cecilia Griergson, Salón Nacional de Bellas Artes 1942.

En 1980 el Museo Castagnino, realizó una muestra retrospectiva del artista.

Sus obras integran las colecciones de museos nacionales, entre ellas las de los museos Rosa Galisteo de Rodríguez y Juan B. Castagnino, coleccionistas del país y europeas.

Falleció en Rosario, en 1988.

Obra

Ouvrard manifiesta en la etapa inicial intencionalidad por la construcción y la expresividad; semejan posturas fotográficas.

Por la modalidad de aplicar el color, denota la influencia de los “macchiaioli”, adquirida a través de los maestros italianos inmigrantes que formaron a la primera generación de artistas locales y legaron a los pintores rosarinos una modalidad tonal y el modo matérico y el modo de aplicar el color, a base de manchas; como recurso de contrastar y despegar la figura del fondo.

Las figuras son tratadas de manera plana, con suaves tratamientos de claroscuro y mínimo contraste; representadas sobre fondos lisos ó de tratamientos decorativos de influencia oriental con tonos fríos como generador de profundidad.

Ouvrard, alcanzó un estilo propio de variada temática, retratos, paisajes, naturalezas muertas pasando de un tratamiento impresionista de mucho empaste, a su etapa final de valores intimistas de una realización de alta síntesis que algunos califican como “ingenuista”.

Antes de 1960, su pintura inicia de modo gradual un proceso de síntesis. Es un período de paisajes de carácter poético; acentúa el tamaño de los objetos seleccionando gamas cromáticas que destacan el carácter compositivo.

Ouvrard construyó una pintura de lenguaje estético y alta expresión poética.

Dispuso un modo particular y personal el encuadre y los tratamientos de las figuras casi planas de hongos, higos, batatas.

Los objetos pueden ser pretextos representacionales; quedando convertidos en unidad estético-compositiva.  

Con sobriedad, incorporó a su obra; muchas de las propuestas novedosas  de las vanguardias y movimientos europeos del siglo XX.

 

Obra 1976.

Así se valió de los desprejuicios del Naif,  las soluciones formales que proponía el Cubismo, procedimientos difundidos a través de la Mutualidad y generalizados en los artistas rosarinos de la década del ´30.

Del clima y atmósfera que alcanzaban producir a través del tratamiento cromático, los artistas de la pintura Metafísica y los Surrealistas.

Dos escenas fueron recurrentes en sus obras: “La naturaleza muerta” (un florero, una mesa, peras, trufas, batatas hongos desparramados, berenjenas, verduras o una simple hoja que en algunas obras alcanza la autonomía de un árbol).

Y “El Paisaje”; en un momento ambos se fusionan: Grandes extensiones del paisaje rural a modo de un fondo pero tratado de manera plana; servirán para contener una naturaleza muerta que descansa sobre un plano rebatido.

Concibió el paisaje no como elemento en sí mismo, a través de un proceso integrativo logra componer desafiando la Perspectiva, desde la paradójica y lo absurdo de tamaño y los planos rebatidos.

Alcanzando una poética calma tensa.

   






























Artículo: Prof.\Lic. Arnoldo Gualino

Bibliografía: www.Arnoldogualino.com.ar

MANUEL MUSTO. Pintor

                                             

 

MANUEL MUSTO       Pintor      

Nacido en Rosario, Argentina el 16 de Septiembre de 1893.

Comienza sus estudios en su ciudad, en la Academia de Fomento de Bellas Artes, (calle Entre Ríos al 1000), del pintor Ferruccio Pagni, y el Instituto de Bellas Artes Doménico Morelli, (en calle Libertad 548, hoy Sarmiento), de Mateo Casella, decorador y escenógrafo.

Una conmoción grande le produjo en la juventud la pérdida de un hermano gemelo. Personalidad torturada, solitaria, hosco, hábil cocinero; en su rostro poseía una cicatriz causado cuando era bebé, por descuido de su institutriz en la plaza del Saladillo, mordido por un cerdo.

En 1914 junto con su amigo Augusto Schiavoni (ambos se costearon el viaje), se trasladaron a Florencia; para concurrir a los cursos del pintor y escritor Giovanni Costetti.

Este artista era de formación académica y orientada al estudio de los maestros del Renacimiento, por aquel entonces estudiaban allí, los rosarinos: César Augusto Caggiano y Domingo Candia.

Musto durante los años 1914 y 1915, llegó a exponer sus obras en Milán y Florencia debiendo interrumpir y regresar a la Argentina por la muerte de su padre.

Se estableció en Rosario en la quinta Landó y luego en el barrio de Alberdi, donde compartía su casa junto a su  antiguo maestro Ferruccio Pagni (Italiano 1866-1935)

Fotografía de Manuel Musto
Con la herencia recibida por la muerte de su padre compra la quinta en Saladillo, calle Sánchez de Bustamante 629, (antes Petrópolis); en la zona sur de Rosario; convertida en su vivienda y taller.

En 1917 realiza su primer envío al “Salón de Otoño”; del cual participaron artistas reconocidos de la época.

En 1922 lleva a cabo su primera muestra individual en la “Galería Witcomb”, de Rosario, situada en San Martín 874, con una crítica favorable redactada por José León Pagano.

Integró el grupo “Nexus” fundado en 1926.

En 1925, la Universidad de la Plata lo elige para integrar una muestra itinerante en Londres, Madrid, París y Roma.

En 1925, obtiene medalla de oro en el “Vll Salón  de Otoño de Rosario”.

En 1926, Medalla de Oro en el “Salón Nexus” de Artistas Rosarinos.

Premio Eduardo Sívori, en el Salón Nacional de Buenos Aires en 1927.

Premiado nuevamente en 1937 del “Salón de Otoño”.

En 1939 Medalla de oro, Ovidio Lagos en el “Xl Salón de Artistas Rosarinos”.

En 1931 fue designado jurado del XIII Salón de Rosario.

Seguidamente llevará a cabo un segundo viaje a Europa, radicándose en San Giminiano, Chiavari y Varese, en Italia; retornando a Rosario en 1933.

Víctima de una enfermedad que lo llevó más al aislamiento y tomar una decisión fatal.

Falleció en Rosario a los 47 años, el 12 de Septiembre en 1940.

Su propiedad por voluntad y testamento la donó para ser convertida en escuela.

El 12 de octubre de 1945, quedó inaugurada como: “Escuela Municipal de Arte Manuel Musto”.

El primer director de esta institución fue el pintor y profesor, Eugenio Fornells (1882-1961)

Peralito en flor. Óleo

Obra

Como necesidad de aprendizaje, lleva a cabo su formación en Europa; absorbe las lecciones del Impresionismo, que rápidamente aparecen incorporadas a su obra. 

Lleva a cabo una producción variada y cuantiosa.

Musto determinó modificar su camino; un proceso corto y gradual de transformación.

Sus planteos y rebeldías contra la práctica antiacadémica; comienzan a ponerse en evidencia en su producción.

Deja de lado las temáticas abiertas y variadas como: retratos,  paisajes suburbanos, huertas de Rosario; se retira hacia una búsqueda interior con necesidad del aislamiento y la soledad en su casa del Saladillo (barrio sur de Rosario).

La cortina verde. Óleo
Inicia una búsqueda hacia lo intimista y cotidiano, basada en imágenes de su propio entorno, fundamentalmente los espacios interiores y exteriores de su casa: el huerto, el gallinero, cacharros, naturalezas muertas o los rincones de su atelier.

Deja de lado las tendencias y procedimientos del impresionismo; por la aplicación del color de manera plana y mediano empaste. 

Como resultado nace una obra directa y profunda, de gran sensibilidad y expresión, llevada a cabo con tratamientos simples.

Siendo amigo de Augusto Schiavoni, muchas veces se retrataron mutuamente; es importante destacar, la capacidad de captar de manera muy simple y espontánea la expresión de los personajes.

Obras de su autoría en Museo J. B. Castagnino de Rosario.

  

    Artículo: Prof.\Lic. Arnoldo Gualino 

    Imagen: Óleo de Musto.  taller - Peralito en flor.

    Bibliografía en: www.arnoldogualino.com.ar

JUAN GRELA - Pintor y Grabador

JUAN GRELA    

Pintor y Grabador

Nacido en Tucumán, Argentina, en 1924, de padres españoles, Juan Grela y María Guerrero. Hermano de Plácido Grela (1917-19939, destacada figura de la cultura provincial y nacional como poeta, periodista, escritor, historiador.

Se radicó en Rosario en 1925, cuando tenía 10 años, autodidacta, pintor y grabador.


En 1943 recibe de Antonio Berni las primeras orientaciones pictóricas; y de xilografía con José Planas Casas  con una sola clase orientativa en Santa Fe. 

Autorretrato

Complementó los conocimientos a través del libro: "El Grabado, historia y técnica", del artista Gustavo Cochet.

El primer período que recibe la influencia de la Mutualidad, dirigida por Antonio Berni, 











Pintura año 1944.

La obra que lleva a cabo es realista con características expresionistas y sociales, cuerpos de gran tamaño, efecto logrado con las exageraciones de la perspectiva en  escorzo. 

Aparecen retratados su esposa Aid, obras acentuadamente maternales, junto a su hijo Dante, reposando tranquilamente sobre la hierba, en un fondo de profundo paisaje.

Aguafuerte. Año 1941.

Su orientación artística la inició en La Mutualidad, institución educativa de avanzada orientada hacia las vanguardias estético – políticas; de alguna manera representa en la ciudad, el origen del movimiento moderno.

Posteriormente continuó como fundador y participe de otras asociaciones: Agrupación de Plásticos Independientes, fundador del Grupo Litoral, y Arte Nuevo, Grupo de Grabadores Rosarinos.

La negrita. Pintura, año 1947


Tuvo la humildad suficiente para aprender de muchos maestros sobre todo de Torres García, de quién resultó ser su discípulo más conspicuo, admirador de los pintores Augusto Schiavoni y Paul Cezzanne.

Fue peluquero de barrio hasta 1954, para dedicar mayor tiempo al arte puso una Liberia con su esposa Haydée, cerrada en 1961, para dedicarse definitivamente al arte.

Villa Perejil. 

Contaba su mujer que Grela, hacía la pintura con aceite comestible y colores de cal, y los soportes bolsas de arpillera, cartones de cajas preparados con cola y tiza.

Los dibujos sobre papeles de envolver. 

La carbonilla lo preparaba preparando quemando ramitas de sauce.







Acuarela. Año 1960

Ejerció la docencia especializada en dibujo, pintura y grabado, tanto en forma independiente, en su propio atelier, cuanto invitado en el ámbito universitario y en centros de arte y cultura, oficial y privados.

Ha sido asiduo conferencista y ha dedicado muchos años de su vida al estudio y a la investigación  artística, siendo autor de trabajos exegéticos, como los dedicados al Guernica de Picasso, base de sus recordadas conferencias en la Facultad de Filosofía de Buenos Aires, Instituto de Historia del Arte y en la Asociación "Ver y Estimar".

El Litoral. Xilografía. Año 1950

El Grabado exige un perfecto dibujo y permite el lucimiento de la línea.

Un tema que basado en los modelos regionales que por entonces eran los enarbolados por el Grupo Litoral

La riqueza de valores está lograda con una rica variedad de texturas lineales.

Acuarela. Paisaje año 1964.

Realizó una pintura de temática social, intimista de serio compromiso a través de un lenguaje simple y directo. 

Aplicó una depurada técnica a la que de manera sistemática y contínua perfeccionaba.

El Dibujo a través de la línea, pone de manifiesto la sensibilidad visual y capacidad expresiva del artista.

Toda la estructura básica de la obra esta basada en una impecable 
construcción de componentes, que se inician, organizan e integran en una sola unidad.

La producción de Grela, se comporta como un organismo vivo; lleva un proceso de crecimiento, supera etapas, madura a través de la experiencia el análisis y la reflexión. 

Desde un principio de leyes compositivas que "menos es más"; el recorrido de su obra fue gradualmente alcanzando los pasos de la síntesis. 
El color se aplana, la formas se reducen, temática toma un carácter ingenuo. 

Sus obras son acciones perfectas que trasuntan goce de haber sido ejecutadas, en su última etapa en coherente proceso hacia la síntesis con la misma importancia, compone obras collages, con trozos desechables de cartón, madera, agregando sutiles rastros de pintura entre la intención y el azar.

En su obra vemos una constante: contiene la preocupación por los valores inherentes a las vivencias humanas.

Posteriormente avanza hacia la abstracción, configura obras de un gran sentido moderno representativo de un artista progresivo, pleno de signos sensibles. 
Controlada economía de elementos, concibe obras de construcción simétrica; que pueden llevar a ser leídas cambiando la posición de la obra.
Concepción casi naif, construyendo sobre la base de figuras geometrizadas.







Cuando se contempla su obra se nos aparece en su tranquilo y claro planteo disciplinado, pocos elementos, y sutiles variaciones, prudencia y control del color y del valor, obrante como un efecto estético.

Su producción está plasmada en varias técnicas, y se pueden evidenciar claramente tres etapas. Un primer momento realista, otro de figuras planas (constructivista), y un tercero surrealista.

En los finales del ´40, comienzan a reunirse un grupo de artistas locales, entre los que está Grela, todos unidos por ideales semejantes: de libertad y la valoración de la cultura popular. 

Desde una ciudad del interior propusieron un arte comprometido con su geografía y problemáticas propias del litoral, creando finalmente el Grupo Litoral; llegando a conformar una nueva tradición "moderna y autóctona".

Juan Grela junto con Leonidas Gambartes, son los referentes regionales, le suministraron a sus obras los puntos claves de la mirada.

Grela fue uno de los artistas que construyó su obra basada en la realidad de los lugares vividos y el recuerdo de su infancia; consagrando la ribera del río, la costa y sus habitantes al sentido de mito.





En 1958 Emilio Ellena editó una carpeta de reproducciones de su obra con un prologo de Roger Plá. En 1968 Ernesto Rodríguez publica una monografía editada por la biblioteca Constancio C. Vigil. En 1998 Homo Sapiens, editó un libro de G. Fantoni.

Entre los numerosos premios que obtuvo cabe destacar: Premio Salón de Rosario en 1941, 1942 y 1945; Premio Adquisición "Consejo Municipal de Cultura" en el I Salón del Litoral en 1942; Premio Adquisición "Intervención Nacional de la Provincia de Santa Fe" en el Salón Anual de Artistas Rosarinos en 1944; Premio Adquisición "Cámara de Diputados de la Provincia" en el XXIV Salón Anual de Santa Fe en 1948; Premio "Cecilia Grierson" en el XXXVIII Salón Nacional de Buenos Aires en 1948; Premio Adquisición "Ministerio de Justicia" en el XLI Salón Nacional de Buenos Aires en 1951; y Premio "Franz Van Riel" en el XXXIX Salón "Sociedad de Acuarelistas y Grabadores" en 1957.

Falleció en Rosario en 1992.

    “Para mí pintar es vivir, porque el pintor pinta con la vida”.- J. Grela

Juan Grela (Padre de Juan Grela)

Escritor y Periodista

Nació en España el 11 de marzo de 1886. 

Hijo de Plácido Grela y María Valverde. 

Se radicó en Rosario. Casado con María Guerrero. 

Tuvo actuación en la cultura Literaria.

Colaboró con los periódicos y en la revista “Meridiano Artístico”.

Realizó un libro.

Sus hijos: María, Juan, Plácido, José Pablo y Ana.

Dos de sus hijos se destacaron: Juan Grela en las Artes Plásticas y Plácido Grela.

Xilografía de Placido Grela, realizada por su hermano Juan Grela.

Plácido Grela (Hermano de Juan Grela) 

Escritor e Historiador

(1917-1993). Participó en diferentes instituciones culturales; Sociedad de Historia de Rosario, Comisión Municipal de Asuntos Históricos de San Lorenzo, Archivo de Historico Provincial y Bibliotecas y Hemerotecas de Rosario y sur Santafesino.

Colaborador de publicaciones en diarios y periódicos; y de la revista especializada “Todo es Historia”, dirigida por Félix Luna, editada por la Sociedad de Historia de Rosario. Publicó numerosos libros.

            

Aid Herrera (Esposa de Juan Grela)

Dibujante Pintora y Grabadora

Artista autodidacta, esposa del pintor y grabador Juan Grela.

La aproximación al arte la alcanzó a través de su esposo Juan Grela.

También participando cuando Grela impartía sus clases en el taller.

Así comenzó experimentando ejercicios de representación a través de la línea.

Como un proceso natural y lúdico continuó incursionando en el color a través de diferentes procedimientos, descubriendo un potencial imaginario propio.

La curiosidad la lleva a incursionar en el Grabado, logrando un particular modo de abordarlo completando las representaciones con tratamientos de lápiz o ceras de color.

Dante Gerardo Grela Herrera (Hijo de Juan Grela)

Compositor Musical

Hijo de los artistas plásticos Juan Grela y Haydée Aid Herrera vivió gran parte de su vida en el barrio Alberdi de la ciudad de Rosario.

Desde pequeño comenzó a estudiar piano en la escuela de monjas de aquel barrio.

Interpretaba obras clásicas de Beethoven y Bach, y con 13 años ya escribía música. 

La escuela secundaria la cursó en e Industrial Nº 4, Corrientes al 600. Tomó clases de armonía y contrapunto con Miguel Ángel Machado.

Se graduó en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, y como estudios privados aprendió música electroacústica y composición con Francisco Kröpfl e instrumentación y orquestación con Wáshington Castro.

Se dedicó a la composición de música electroacústica, profesor universitario e investigador, ha hecho conocer sus obras en toda América.

Realiza importantes publicaciones en el área de la música.

Artículo: Arnoldo Gualino
Historia del Arte en Rosario: www.arnoldogualino.com.ar